viernes, 16 noviembre 2018, 19:19
Miércoles, 12 Septiembre 2018 07:57

En Toronto, Alfonso Cuarón continúa deslumbrando con Roma

Escrito por  AP
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Alfonso Cuarón Alfonso Cuarón

Con oportunidades ilimitadas a su disposición tras el éxito de Gravity, Cuarón decidió volver a casa. Y el resultado ha sido calificado como una obra maestra.

La última película de Alfonso Cuarón, el deslumbrante thriller espacial Gravity, ganó siete premios Oscar y recaudó más de 720 millones de dólares en la taquilla mundial. Su nueva cinta, Roma, se basa en sus recuerdos de infancia y fue rodada en blanco y negro en el barrio de la Ciudad de México donde creció.

Con oportunidades ilimitadas a su disposición tras el éxito de Gravity, Cuarón decidió volver a casa. Y el resultado —una mezcla neorrealista de cine intensamente personal y dominio visual abrumador— ha sido calificado como una obra maestra.

«Hubo ofertas enormes y hermosas después de Gravity, y muy tentadoras. Y ofertas desde un punto de vista financiero realmente apetecibles», dijo Cuarón en una entrevista, en inglés. «Pero era una de esas cosas que tenía que hacer por mi profunda admiración al cine que tiene que ver con los viajes personales».

Unos días después que Roma se alzó con el León de Oro en el Festival de Cine de Venecia, Cuarón y su nueva película llegaron al Festival Internacional de Cine de Toronto, donde la respuesta eufórica a su búsqueda espiritual no cesó. Roma, que se estrenará en salas de cine y Netflix en diciembre, es el primer filme de Cuarón en español desde su éxito de 2001 Y tu mamá también.

Pero para el realizador, Roma es más que eso. Es un nuevo comienzo.

«Es algo que se ha estado cocinando por mucho, mucho, mucho tiempo. Comencé a tomármela en serio en el 2006. Es la película que estaba predestinado a hacer. Es mi primera película en el sentido de que la hice completamente sin temor. Tiré todo lo que había aprendido para hacer este filme», dijo Cuarón. «Bueno, no todo, porque no hubiera podido hacer esto antes de ahora».

Roma trata sobre la empleada doméstica Cleo (Yalitza Aparicio, quien habla en nativo mixteca), quien trabaja devotamente para una familia que vive en el barrio de Roma, en la capital mexicana. La vida familiar, aunque inmaculada, se está resquebrajando: el padre deja a su esposa. Y el tumulto del México de principios de los 70, cuando las manifestaciones de estudiantes chocaron violentamente con la policía, se siente alrededor. La sociedad se está deshilachando, y las mujeres son las que se llevan la peor parte.

«Es una observación del viaje de un personaje tanto como una observación de un país, y un país que, como Estados Unidos y gran parte del mundo, tiene esta relación perversa entre clases sociales y razas», dijo Cuarón.

La producción fue singular. A lo largo del prolongado rodaje de 108 días, ningún actor o miembro del equipo recibió un guion. El único, aparte de Cuarón, que sí tuvo uno fue el productor ejecutivo David Linde, de Participant Media. «Y yo no hablo español», apuntó éste en el estreno del filme en Toronto. A diferencia de la mayoría de las películas, Cuarón también rodó en absoluta continuidad.

«No quería que los actores o el equipo tuvieran ideas preconcebidas o respuestas definidas», dijo Cuarón. «Fue un proceso en el que todos estuvieron en una búsqueda constante. Yo solo estaba honrando momentos, el sentido del tiempo y el espacio en esos momentos, pero también honrando los elementos emotivos de esos momentos».

Cuarón calcula que el 90% de la cinta deriva de sus propios recuerdos y viejas fotografías. Reprodujo la casa de su infancia, seleccionó a actores lo más parecidos posibles a sus parientes y se obsesionó recreando los detalles de sus primeros años de vida. También estuvo a cargo de la cinematografía luego que su usual fotógrafo, Emmanuel «Chivo» Lubezki, tuvo que retirarse debido a otros compromisos.

«Reproduje cada pulgada de mi infancia con un 70% de los muebles originales», dijo el realizador. «Reprodujimos cada uno de los azulejos que existió en esa casa. Filmamos en la calle de la casa de mi infancia. Filmamos en la mayoría de los lugares donde esas escenas ocurrieron».

Y aunque Roma es mucho más íntima y pequeña en escala que sus cintas Gravity o Children of Men, el cineasta de 56 años usó muchas de las técnicas que aprendió haciendo cintas visualmente espectaculares. Filmó digitalmente en 65 mm y usó Dolby Atmos para el suntuoso diseño de sonido. En el momento climático de la cinta, los sonidos del agitado oleaje en una playa envuelven a la audiencia.

En el escenario del Teatro Princesa de Gales en Toronto, Cuarón le explicó al público el viaje de Roma: «Realmente quería asimilar los elementos que me forjaron».

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Comentarios  

 
#1 gretter 12-09-2018 08:31
Toronto aplaude el regreso de McQueen con la elegante y furiosa 'Viudas'
Steve McQueen es un gran conocedor del sufrimiento humano. Vistas en conjunto sus tres primeras películas -'Hunger' (2008), 'Shame' (2011) y '12 años de esclavitud' (2013)-, funcionan a modo de tratado sobre el cuerpo y el alma sometidos a estados extremos, y sobre varias de las formas que una persona tiene de ser maltratada, oprimida y llevada al límite de la desesperación. Mientras las hacía, además, se ha ido convirtiendo en un nombre de referencia, sobre todo después de que '12 años de esclavitud' ganara el Oscar a la Mejor Película y varias estatuillas más; es normal que su cuarta trabajo sea este año uno de los platos fuertes en el Festival de Toronto.
De 'Viudas' puede decirse que es a la vez una continuación y un desvío. Como sus predecesoras retrata a seres humanos situados en puntos de no retorno, pero su método es distinto. Aquí, McQueen toma material narrativo propio del cine de serie B y lo deconstruye pieza por pieza para convertirlo en un drama trascendente. El resultado es una película a la vez musculosa y sofisticada, de gran elegancia pero increíblemente furiosa; también es pesada y ligera al mismo tiempo, una obra diseñada para entretener pero que a la vez señala males sociales profundos.
Ambientada en Chicago, una ciudad marcada por el contraste entre una mayoría azotada por la violencia callejera descontrolada y una minoría de ricos corruptos, la película se inspira en la miniserie británica de los 80 del mismo título. La premisa argumental es la misma: tres mujeres se ven obligadas a planear un robo para saldar la deuda dejada por sus maridos, unos ladrones que murieron intentando jugársela al tipo equivocado. El problema es que ninguna de ellas tiene la menor experiencia previa en el submundo criminal. "Cuando yo vi la serie de niño, sentía que nadie me valoraba, y que me veían como alguien incapaz de conseguir nada", explica McQueen acerca de su conexión con la ficción original. "El hecho de ser negro, además, me obligó a luchar contra varios estereotipos en la escuela. Por tanto, me identifico plenamente con las protagonistas de mi película".


'The Death and Life of John F. Donovan': Xavier Dolan reivindica la cultura pop
Enero de 1998. Xavier Dolan escribe una carta a Leonardo DiCaprio para profesarle su admiración (había visto su película Titanic cinco veces en el cine en menos de dos semanas) con la esperanza de que la nueva gran promesa de Hollywood encuentre tiempo de responderle. Sin saberlo, el niño prodigio del cine canadiense estaba sembrando las primeras semillas de la que, dos décadas más tarde, sería su primera película en inglés. Toronto, un festival que ha estrenado todas sus películas y que siempre le ha mimado, ha acogido la presentación mundial de una producción que se ha enfrentado a un infernal proceso de edición. La versión que se verá en los cines dura poco más de dos horas. El primer montaje doblaba la duración y tenía a Jessica Chastain, hoy desaparecida, entre su reparto.
Dejando de lado la sucesión de rumores y problemas en la producción, el director de Mommy ha querido hacer un guiño al pasado leyendo ante un atestado teatro en el que había más de 1500 personas pendientes del estreno esa carta que escribió a su ídolo infantil. The Death and Life of John F. Donovan nació como respuesta a la obsesión de un niño de Quebec que, a sus ocho años, buscaba referentes en la pantalla que no tenía en la vida real.
La séptima película del director quebequense explora la atípica relación de amistad por carta que surge entre una estrella de cine que roza la treintena y un niño de 11 años, aunque lo primero que descubre el espectador es que el actor, John F. Donovan, ha fallecido de una sobredosis. La forma de contar la historia está pasada de moda. El niño del futuro, ya con 21 años, se encuentra con una periodista para hablar del libro que ha escrito y le cuenta por qué ese actor del que ya nadie se acuerda cambió su vida para siempre. Por qué se lo tiene que decir a Thandie Newton en una entrevista en lugar de que ésta se lea el libro nunca queda claro, pero es lo de menos.
The Death and Life of John F. Donovan visita, paso por paso, la hoja de ruta de la filmografía de Dolan (la fotografía colorista, una playlist llena de temazos pop, madres controladoras, hombres sensibles y contradictorios , encuentros familiares que acaban a gritos), pero también explora una idea apenas abordada en la ficción: cómo la cultura pop puede salvar vidas. Al final, leemos, vemos películas, contamos historias porque no queremos estar solos ni sentir que nadie no comprende. Para un niño de ocho años ignorado en el colegio y malentendido por su madre como Rupert (un inspirado Jacob Tremblay que vuelve a recordar su brutal talento para darle a cada director lo que éste quiere para su película), sentirse reflejado en alguien se convierte en un motivo para salir de la cama al día siguiente. Fan confeso de Harry Potter y Titanic, Dolan siempre ha reivindicado el valor del cine como algo que también puede y debe ser mainstream. Ahora entendemos mejor por qué.
En la presentación de la película lamentó cómo, a pesar de la importancia de esas películas durante su niñez, siempre echó de menos ver en la gran pantalla niños como él. Sensibles, homosexuales, fuera de la norma. Esta es otra de los temas que aborda en John F. Donovan, especialmente a través de la búsqueda (o no) de la aceptación de sus inclinaciones homosexuales. Kit Harington no es el actor más expresivo del mundo para trasladar a la audiencia con empatía los complejos que achican a su personaje, pero los problemas de su trama no vienen de su interpretación, sino de la imposibilidad de la película de plasmar cómo cambia su vida las comunicaciones con el niño (un viaje emocional evidente a la inversa). La despedida entre ambos asume algo que el espectador, simple y llanamente, no ha visto.
Tan problemática como bienintencionad a, The Death and Life of John F. Donovan nos recuerda que Dolan es un director errático, pero necesario. Excesivo, pero emocionante. Al igual que sus personajes, su cine vive en un mundo a medio camino de sus vicios y sus contradicciones . Es decisión de cada uno si queremos vivir en él.
“Wildlife”: Jake Gyllenhaal y Carey Mulligan brillan en el trailer del debut como director de Paul Dano
El actor norteamericano Paul Dano, conocido por películas que van desde Little Miss Sunshine a There Will Be Blood, decidió aventurarse recientemente a dejar por un rato su faceta como intérprete para experimentar lo que se sentía detrás de las cámaras, y desde principios del 2018 ha estado llevando su película Wildlife a escenarios como el Sundance Film Festival.
Wildlife es una adaptación de la aclamada novela homónima de Richard Ford cuyo guión fue escrito por el mismo Dano junto a Zoe Kazan, y sigue a una familia típica de los años 60 en los Estados Unidos que sufre cambios familiares radicales cuando el padre, Jerry (Jake Gyllenhaal), pierde su trabajo y decide ayudar a combatir incendios forestales, dejando a su esposa (Carey Mulligan) para que se las arregle sola.
El filme está narrado a través de los ojos de Joe (Ed Oxenbould), el hijo de ambos, quien se ve obligado a convertirse en un adulto antes de tiempo ya que es testigo de la lucha de su madre mientras trata de mantenerse a flote, y de cómo el matrimonio de sus padres se destroza ante sus ojos.
Hasta los momentos, la película ha recibido excelentes reseñas y críticas en el circuito de festivales en lo que va de año antes de su estreno en el TIFF esta semana y su llegada al cine el próximo 19 de octubre, así que démosle un vistazo al nuevo trailer del filme a continuación, que promete llevarnos por una montaña rusa emocional.
 

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